Auch wenn das zweite Jahrzehnt des neuen Jahrtausends eine leichte Abschwächung der bewährten filmischen Möglichkeiten der ersten Welle des 21. Jahrhunderts offenbart hat, so war diese vorübergehende Ära der Filmkultur dennoch einer genaueren Betrachtung, Diskussion und Würdigung wert. In den letzten zehn Jahren war der post-postmoderne Zeitgeist des Kinobesuchs eine oszillierende Ausstellung der jüngsten Unzulänglichkeiten und des unendlichen Potenzials des Mediums.
Sicherlich gibt es Gewinner des besten Films und hochgelobte Kritikerlieblinge, die in den 2020er Jahren die Ränder der Dekaden-Rückblick-Listen füllen werden. In diesem Beitrag sollen die Filme gewürdigt werden, die ein gewisses Maß an Anmut, ja sogar Größe erreicht haben und in den immer enger werdenden Grenzen der Aufmerksamkeitsspanne des gewöhnlichen Zuschauers kurzerhand am Wegesrand zurückgelassen wurden. Um nicht weiter ins Hintertreffen zu geraten, hier einige der am meisten unterschätzten, unterbewerteten oder zumindest unterschätzten Filme des Jahrzehnts, die einer unvermeidlichen Subjektivität unterliegen.
20. A Cure for Wellness (2017)
Oft sind es die harmlosen Späße, über die Kritiker die Nase rümpfen – neumodische Beispiele sind ‚Venom‘, ‚Godzilla: King of the Monsters‘ und sogar ‚The Rise of Skywalker‘. Im Bereich des Horrorfilms macht es die schiere Menge an Exkrementen des Genres jedoch schwierig, eine übersehene Perle herauszufiltern. Die missbilligenden Reaktionen auf A Cure for Wellness lassen vermuten, dass Gore Verbinskis letzter Film mit einer Annabelle-Fortsetzung vergleichbar ist.
Mit einem ungeheuren Sinn für Paranoia, einem schwer beeindruckenden Milieu und einer altmodischen Eskalation in konzeptionelle Hysterie ist A Cure for Wellness in seinen zweieinhalb Stunden voll von psychologischen Spielereien und fantastischen Rätseln. Die Schweizer Sanatoriumssaga (basierend auf deutscher Literatur) reiht sich einprägsam in die Kategorie der berauschenden Psychiatrie-Filme wie Shock Corridor, Shutter Island oder auch Unsane von 2018 ein. ‚A Cure for Wellness‘ dürfte schließlich Kultpotenzial haben und neben ‚Rango‘ als Verbinskis seltsamstes Werk gelten.
19. World War Z (2013)
Nach einer schändlichen und enorm teuren Produktion schien es nur allzu wahrscheinlich, dass World War Z die Erwartungen nicht erfüllen würde. Am Ende waren die Reaktionen leicht positiv, obwohl Zombie-Puristen darüber jammerten, wie Paramount den objektiven, enzyklopädischen Umfang des Ausgangsmaterials vergeudete. Die direkte, weltumspannende Erzählweise des Films verbindet logischerweise Elemente des Katastrophenfilms mit einer minimalen Anzahl von Charakteren und reduziert jede Instanz von Furcht und Schrecken auf die individuelle Ebene, wie es solche Blockbuster idealerweise tun sollten.
Marc Forster hat einige Übung darin, 200-Millionen-Dollar-Produktionen durch ihre verräterische Montage zu führen, wie er es mit Ein Quantum Trost im Zuge des Streiks der Writer’s Guild of America von 2007-2008 getan hat. Einige Sequenzen sind Steven Spielbergs oder vielleicht sogar David Finchers würdig, der eine Zeit lang für die Regie einer nun abgesagten Fortsetzung vorgesehen war. Eine Neuauflage dieser Apokalypse würde nicht unbeobachtet bleiben, da Horror- und Actionthriller so selten gut konsolidiert werden – aber da China alle Filme mit Zombies oder Geistern verbietet, werden die finanziellen Bedingungen wohl nie günstig genug sein.
18. Thoroughbreds (2018)
Vielversprechende Indie-Debütfilme gibt es wie Sand am Meer, aber Thoroughbreds zeichnet sich durch eine Nische innerhalb einer Nische aus. Der schwarze Komödienthriller für Jugendliche ist eine Mischung aus Klassenkritik, nihilistischer Satire und beunruhigendem Nervenkitzel. Die klare Stimme des Autors und Regisseurs Cory Finley liefert eine schlanke, selbstbewusste Vision. Berühmt dafür, die letzte Rolle von Anton Yelchin vor seinem frühen Tod 2016 zu spielen, wird das junge Talent des Films entsprechend genutzt. Die Hauptdarstellerinnen Olivia Cooke und Anya Taylor-Joy spielen ideologisch widersprüchliche Highschool-Schülerinnen, deren wichtigste außerschulische Aktivität die heimliche Ermordung eines bösen Stiefvaters ist.
Mit gleichmäßig gesäten Themen und einem Geist von verbissener Rebellion ist Thoroughbreds effizient geschrieben, vertont und gedreht. Cooke hat sich in dem Festival-Favoriten Me and Earl and the Dying Girl einen Namen gemacht, der sich von früheren Sundance-Filmen nicht unterscheidet. Es ist die teuflisch befriedigende Ausnahme von der Regel, dass Independent-Filme nach einem flüchtigen Moment in der Sonne an Wert einbüßen müssen.
17. Youth in Revolt (2010)
Jugend in Aufruhr ist eine der unerwartet schmackhaftesten und unterhaltsamsten Komödien seiner Zeit. Als sie im Januar 2010 in die Kinos kam, gehörte sie zu den ersten inländischen Veröffentlichungen des Jahrzehnts – im Gegensatz zu fast allen Januar-Veröffentlichungen war sie jedoch kein Trash, und die Michael-Cera-Komödie läutete die neue Ära mit einem untypischen Reiz ein.
Die Faux-Indie-Laune sorgte dafür, dass Jugend in Aufruhr von fast allen außer Hipster-Teenies ignoriert wurde, und obwohl Cera auf der besonders selbstbewussten Marke Juno und Nick und Norah reitet, ist die Coming-of-Age-Adaption sporadisch übermütig, präzise prätentiös und regelmäßig lustig.
In der Doppelrolle kann Cera seine ganze Bandbreite entfalten – sein Alter Ego François Dillinger ist ein urkomisch rücksichtsloser Gegenspieler zu Nick Twisps Hemmungen. Mit postmodernen Liebeskomödien-Anklängen und einer Fülle von Dialogen, die das Potenzial zum Kult-Klassiker haben, bleibt Jugend in Aufruhr ein vergrabener Schatz für alle apathischen Komödienfans, die sich auf solch einen kleinen Aufruhr einlassen wollen.
16. The Neon Demon (2016)
Seit dem vergangenen Jahrzehnt hat Nicolas Winding Refn seine filmischen Experimente immer weiter ausgebaut und eine mittlerweile sehr ausgeprägte optische Anspruchshaltung entwickelt. The Neon Demon und in fast gleichem Maße auch Only God Forgives verzichten auf eine konventionelle Erzählweise, um zu künstlerischen Konsequenzen zu gelangen, die alles andere als schlüssig sind. Doch die audiovisuelle Skrupellosigkeit ist ihr eigener Lohn, wenn erfreulich grelle Schimmer des Erstaunens und der Erhabenheit bereitstehen.
Einige der soundtrack-lastigeren Abschnitte von The Neon Demon – geliefert von Cliff Martinez, einem ehemaligen Mitglied von Captain Beefheart, Red Hot Chili Peppers und wiederholten Mitarbeiter von Steven Soderbergh – überfluten einen mit elektronischem Rausch, der jedes strahlende Bild übertreibt und den wesentlich seichteren Subtext betont. The Neon Demon ist aufgrund seines chaotischeren Schlussakts verwirrend und vielleicht sogar ein wenig enttäuschend in seiner Gesamtheit, aber nur wenige Filme sind so abnorm prächtig und noch weniger Filmemacher sind stilistisch so stur oder futuristisch offen.
15. Submarine (2011)
Richard Ayoade ist ein wahrhaft eigenwilliger Schauspieler, und so ist es nicht verwunderlich, dass die verzweifelt skurrilen Eigenheiten seines Regiedebüts Submarine und seines scharfsinnig-makabren Nachfolgers The Double nur einen begrenzten Teil der Kinobesucher zu begeistern vermochten. Geprägt von melancholischen Nebendarstellern, einer eisigen Atmosphäre und wüstem Witz ist die trostlose Bildungsroman- und Salinger-eske Romanverfilmung fast zu eigenwillig und pingelig für ihr eigenes Wohl, genau wie ihr wählerischer Autor-Regisseur.
Die verschmitzte Montage, die selbstbewussten Skript-Rezitationen und die feierlich-komischen Setups und Rückrufe fühlen sich alle wie authentisch inspirierte Reflexionen von Ayoades Ticks an – schließlich ist das der Typ, der ein ganzes Buch der Sezierung einer vergessenen romantischen Komödie von Gwyneth Paltrow aus dem Jahr 2003 gewidmet hat. In Submarine sind 100 % mehr Arctic Monkeys zu hören als in einem durchschnittlichen Streifzug durch Alex Turners Original-Songwriting. Submarine ist eine beunruhigende Betrachtung der Pubertät, das 400 Blows des heutigen Beatniks – Ayoades Riff auf Truffaut ist bissig und gerissen.
14. Hunt for the Wilderpeople (2016)
Bevor Taika Waititi mit der spielerischen Renovierung von Ragnarok die Regie von Thor übernommen hat, aber nachdem er mit seiner Vampir-Mockumentary What We Do in the Shadows endgültig in den Mainstream gerutscht ist, war Hunt for the Wilderpeople ein bewundernswertes Sprungbrett für den neuseeländischen Schauspieler, Drehbuchautor und Regisseur. Trotz der kollektiven Zustimmung der Kritiker hat die Öffentlichkeit diesen Film irgendwie verschlafen, obwohl er so viele Anhänger hat wie der durchschnittliche Marvel-Film. Der weitgehend unentdeckte Abstecher in der Karriere des Kiwi ist zierlich und erfreulich – es ist eine überlebenswichtige Farce voller Heiterkeit, Zärtlichkeit und einigen prächtigen Panoramablicken, die es in sich haben.
Der junge Star Julian Dennison, der später in Deadpool 2 seine eigene Rolle mit Superkräften einnehmen wird, ist herrlich selbstbewusst, und Sam Neills grimmige, schroffe Darstellung ist seine beste in diesem Jahrhundert.
Die beiden sind ein lustiges Gespann aus ungleichen Gesetzlosen. Derweil ist Jojo Rabbit doppelt so dreist und billiger in der Stimmung, dennoch hat die Hitlerjugend-Parodie die meisten Auszeichnungen für Waititi erhalten. Der überschäumende Charme von Jagd auf die Wilden sichert ihm seinen Platz als unaufdringlich liebenswerte Abenteuerkomödie, die gekonnt Albernheit und erkennbar echte Emotionen miteinander verbindet.
13. Hanna (2011)
Schon früh schien Joe Wright nach seiner kompetenten Jane-Austen-Verfilmung Stolz & Vorurteil und dem Rampenlicht der Akademie, das er kurz darauf für Abbitte auf sich zog, zum Oscar-Ruhm bestimmt zu sein. Seit seinem Gründungserfolg ist Wrights Karriere ein Sammelsurium von Ungereimtheiten, von missglückten Preisverleihungen (Der Solist) über die selbstgefällige Stilisierung trauriger russischer Literatur (Anna Karenina) bis hin zu erfolglosen Flops (Pan) und besser gekleideten Preisverleihungen (Darkest Hour).
Zwischen den Phasen des Scheiterns seiner Karriere hat Wright in Hanna sein Gespür für ununterbrochene Einstellungen und introvertierte Protagonisten im Interesse einer wunderbar minimalistischen Attentätergeschichte eingesetzt. Saoirse Ronan, Eric Bana und Cate Blanchett werden ihren wesentlichen Archetypen gerecht, die Chemical Brothers zerstören die Vorstellung von elektronischen Musikern, die zu Filmkomponisten werden (take THAT Daft Punk), und die kurzen Actioneinlagen sind eine großartige Errungenschaft.
12. The Immigrant (2014)
Trotz einer Reihe edler Bemühungen gelingt es James Gray nicht, seine Arbeit mit den Hollywood-Standards in Einklang zu bringen, wie die relativ verhaltene Reaktion auf Ad Astra zu bestätigen scheint. Nach seiner Zusammenarbeit mit Joaquin Phoenix in We Own the Night und Two Lovers schrieb Gray The Immigrant ausdrücklich mit Blick auf den Oscar-verdächtigen Schauspieler. Doch was Gray als sein persönlichstes Projekt bezeichnet, ist auch ein Podest für die unverfälschte Anmut von Marion Cotillard (die neben Zwei Tage, eine Nacht eine der raffiniertesten Darbietungen ihrer Karriere abliefert) und ein weiteres Schaufenster für Jeremy Renner, der sich erneut als zuverlässiger Nebendarsteller erweist.
Im Gegensatz zum weichgezeichneten Dunst stabilisieren Grays leuchtende Schnörkel die Schäbigkeit des Schauplatzes in den 1920er Jahren mit ausgewählten Verschönerungen – er vergisst nie die Unterwerfung und Ausbeutung, die im Mittelpunkt der Geschichte stehen. Die visuellen Details von The Immigrant ähneln The Lost City of Z in ihrer verwitterten, zeittypischen Greifbarkeit – es ist eine klassisch angehauchte Tragödie, die aus einem jahrhundertealten Filmarchiv gerissen und restauriert scheint.
11. Contagion (2011)
Steven Soderberghs Beständigkeit kann beängstigend sein. Jeder erkennbare Einbruch in seiner Karriere wurde so schnell korrigiert, dass man dem bewährten Regisseur nie einen Vorwurf machen kann, wenn er gelegentlich ein schwaches Glied in der filmografischen Kette hat (ähem, Ocean’s 12). Die Filme des Mannes sind so gewohnt seidig, dass man genauso leicht über Perlen stolpern kann, wie wenn man zufällig etwas aus seinem Oeuvre auswählt. Allein in den letzten zehn Jahren konnte man sich die klinische Gruseligkeit von Unsane, Logan Lucky mit seinen Raubüberfällen, die kryptische Verschreibung von Side Effects oder die krasse Spionage von Haywire als unerkannten Preis aussuchen, während die jüngsten Netflix-Filme wie High Flying Bird und The Laundromat auch nicht schlecht waren.
Aber Contagion mit seinem pragmatischen apokalyptischen Rahmen, der für Soderbergh typischen üppigen digitalen Kinematographie (der unter dem Namen Peter Andrews oft selbst als Kameramann fungiert), einer weitläufigen, sicheren Besetzung und einem herrlich schnulzigen Score von Cliff Martinez ist so deutlich unterschätzt wie jeder andere Soderbergh-Film aus dieser Zeit.
Wäre Soderberghs Pandemie-Fiktion nicht so wissenschaftlich plausibel, wäre es geschmacklos, die öffentliche Panik über das H1N1-Virus als glaubwürdigen Katalysator für einen intelligenten Katastrophenfilm zu nehmen. Stattdessen ist Contagion beunruhigend fesselnd – und einer der wenigen Filme, die eine zersplitterte, abwechslungsreiche Erzählung effektiv nutzen, ohne die einzelnen Figuren zu kurz kommen zu lassen oder sich wie ein Fernsehfilm zu entfalten.
10. Somewhere (2010)
Nach ihrem offensichtlichen Höhepunkt – Lost in Translation von 2003 – hat Sofia Coppola in den meisten ihrer Filme einen vertrauten Stand gefunden. Doch ihr vierter Film ist ihrem Regietemperament besonders treu. Mit historischen Charakterstudien (Marie Antoinette), jugendlichen Dieben aus dem wirklichen Leben (The Bling Ring) und Remakes der 70er Jahre (The Beguiled) hat sie sich zwar etwas von ihrer Obsession für die Desillusionierung der Privilegierten entfernt, doch ihre gesamte Filmografie ist in denselben akribischen Meditationen über Isolation in all ihren Variationen angesiedelt.
Somewhere fühlt sich wie ein Nebenprodukt der Demontage der Berühmtheit in Lost in Translation an, besitzt aber dennoch die beruhigende Beherrschung ihres besten Werks. Coppolas Gespür für die Auswahl des Soundtracks unterstützt die ruhige Atmosphäre, an der sie seit The Virgin Suicides gebastelt hat. In den introvertierten Charakteren von Elle Fanning und Stephen Dorff fängt sie eine flinke, prägnante Momentaufnahme einer Vater-Tochter-Beziehung ein. Der Film wird zu einer Untersuchung darüber, wie der alltägliche Ruhm das aristokratische Unbehagen in ein entzaubertes Stillleben verwandelt.
9. 20th Century Women (2016)
Mike Mills hat die tragisch veraltete Kunst der persönlichen, anthropologischen Beziehungen aus der Vergangenheit (um genau zu sein, aus dem Jahr 1979) in eine Gegenwart zurückgeholt, die das humanistische Kino mehr denn je braucht. Die historischen und autobiografischen Betrachtungen von 20th Century Women, die in ihrem Drehbuch ebenso aufrichtig sind wie in ihrem Kollektiv von naturalistischen Darstellern, mögen zwar eine Nominierung für das beste Originaldrehbuch erhalten haben, aber ihr Stellenwert unter Cineasten ist unangemessen gering. Filme, denen so viel Ganzheitlichkeit und bekenntnishafte Wahrhaftigkeit gelingt wie Mills‘ Werk – sein erfahrungsreicher, luftiger Beginners ist sein bisher beliebtester Film -, sind im Kern zu harmlos, um ein wirklich eindeutiges Lob zu erhalten.
In 20th Century Women mangelt es nicht an begabten, generationsübergreifenden Schauspielern, die Mills‘ prägende Erinnerungen bevölkern – Annette Bening, Elle Fanning, Greta Gerwig, Billy Crudup und die junge Lucas Jade Zumann. Es mangelt auch nicht an romantischen, familiären, feministischen, musikalischen oder philosophischen Fragen, die es zu erforschen gilt. Es ist traurig, dass Leute, die ziellos Netflix überfliegen, gleichgültig durch Filme blättern, die so nahrhafte Beobachtungen wie diese machen. Die Reproduktion eines so unkomplizierten Lebensstils wie in 20th Century Women ist in unserer modernen Welt fast ausgestorben, so dass Mills – bei so viel bescheidener, unerschütterlicher Integrität, wie er sie hat – ein entscheidender, unaufdringlicher Fürsprecher für das sanftmütige Kino im 21.
8. Spring Breakers (2013)
Die erwartungsgemäß gespaltene Reaktion auf The Beach Bum hat Harmony Korines Eminenz als extravaganter Kultklassiker-Architekt nur noch einmal bestätigt – der Mann hat seine Karriere mit Gummo gestartet, so dass ihm der Respekt des Undergrounds von Anfang an sicher war. Aber in letzter Zeit wurde die Grenze zwischen Kunst und Trash oder Lowbrow und Highbrow kaum so raffiniert diskutiert wie in der kulturellen Untersuchung Spring Breakers, die mehr im Sinn hat als die Belange der in Ausschweifungen versunkenen Bimbos.
Der Film, der College-Fantasien mit einem erdrückenden Kriminaldrama verbindet (muss man James Franco in seiner exzentrischsten Form erwähnen?), lässt bissige Reaktionen erwarten. Die dekadente Satire ist jedoch nicht gerade inkognito, ebenso wenig wie ihre distanzierte Strenge. Korines Frau Rachel spielt eine der vier Unruhestifterinnen, was die feministischen Überlegungen des Films in eine andere Richtung lenkt, vor allem, wenn Spring Breakers die bekannten Gesichter des Disney Channel, Selena Gomez und Vanessa Hudgens, in ungestüme Taugenichtse verwandelt. Der glatten Schwüle sind so viele Feinheiten untergeordnet, dass der Abstieg in den Hedonismus zu einer bedrohlichen Mischung aus Ekstase und Ennui wird. Das ist von einem anderen Planeten, Leute!
7. Heaven Knows What (2015)
Heaven Knows What mit Arielle Holmes basiert auf ihren Erfahrungen als obdachlose Heroinsüchtige in New York City., created_timestamp: 0, copyright:, focal_length: 0, iso: 0, shutter_speed: 0, title: hkw_6, orientation: 0}
In einer leistungsorientierten Welt hätten die Safdie-Brüder mit der Veröffentlichung ihres gefeierten Thrillers Uncut Gems ihren doppelten Weg zur Preisverleihung geebnet. Vor ein paar Sommern hat die fieberhafte Begeisterung für Good Time dem Regieteam den gebührenden Einfluss verschafft. Doch Heaven Knows What, der in Bezug auf die obligatorischen Heroinfilme stärker und weniger ostentativ als Trainspotting oder Requiem for a Dream ist, wird von Cineasten viel zu wenig gesehen und ist allen anderen unbekannt.
Selbst in den träumerischsten Passagen seiner kaleidoskopischen Palette ist Heaven Knows What von einem véritéhaften, rohen Realismus geprägt und zeichnet ein detailliertes Bild von Amerikas Süchtigen, ohne eine Spur von Verurteilung oder Herablassung. Der Film durchdringt die verwahrloste Funktionsweise und den Sprachgebrauch der Junkies und beleuchtet unverblümt die primitiven, impulsiven menschlichen Sehnsüchte. Inmitten des momentanen Adrenalins und der ultimativen Verkümmerung holt einen Heaven Knows What wie eine Gewohnheit ein – es ist herrlich düster.
6. Calvary (2014)
‚The Guard‘ war ein kluger Ausgangspunkt für John Michael McDonough, der das Beste aus den Klischees der Buddy-Cops herausholte und eine eindringliche Farce über die Kleinstadtpolizei schuf. Calvary ist ein ganz anderes Tier – es ist eine verzweifelte existenzielle Fabel, die die gefühllose Grausamkeit der Welt mit dem verzweifelt angefochtenen religiösen Glauben eines Mannes kontrastiert. Brendan Gleeson ist für Calvary und für McDonoughs Karriere unverzichtbar – ohne Gleesons verkrusteten Weltschmerz würde kaum etwas von der Frechheit oder dem Pathos dieses Films so gut ankommen.
Mit seinem selbsterklärten ein Teil Humanismus, neun Teile Galgenhumor ist McDonoughs schwarz-komisches Drama sowohl zynisch als auch rechtschaffen und mildert die intuitiven Beobachtungen und die tödliche Absurdität durch Abschnitte mit artikulierten, zerebralen Dialogen und Tiraden. Es gibt viele saure Pillen, die McDonough zu schlucken zwingt – zu den Hauptthemen von Calvary gehören Alkoholismus, Belästigung, Mord und Selbstmord. Dennoch gelingt es ihm, sich diskret und taktvoll sowohl durch Episoden pointierten Witzes als auch durch Einbrüche in die trostlose Wahrheit zu schleichen. Mit der Zeit wird die mäßig vernachlässigte Erzählung als einer der bemerkenswertesten Filme Irlands gelten.
5. Knight of Cups (2016)
Der jüngste Abschnitt von Terrence Malicks Karriere ist vielleicht das umstrittenste Thema der zeitgenössischen Filmkritik. Nach vier selektiven Projekten in 25 Jahren hat Malick seine Arbeitsmoral in eine produktive Unruhe verwandelt – er hat in weniger als einem Jahrzehnt einen Überschuss an Produktionen (sechs Filme, der siebte mit dem Titel The Last Planet ist in Arbeit) geschaffen.
Die experimentellen Vorführungen dieses Zyklus haben die entschiedensten Kritiker des zurückgezogen lebenden Autors auf den Plan gerufen und seine eifrigsten Verehrer gewonnen. ‚The Tree of Life‘ ist die unfassbar göttliche Ausnahme von der Polarisierung, die von vielen als sein Meisterwerk angesehen wird. To the Wonder hat die Integrität eines romantischen Bekenntnisses, aber spätestens mit der Fadheit von Song to Song und der kosmischen Langeweile von Voyage of Time schien es, als sei Malick offiziell in die Ziellosigkeit zurückgefallen, obwohl A Hidden Life seine Würde gerade erst wiederhergestellt hat. In dieser Mischung entpuppte sich Knight of Cups als seine organischste, fruchtbarste Improvisation – eine sublim arrangierte Umsetzung von Dysfunktion im Paradies, eine gleichmäßige Verteilung von Tarot-inspirierter Wahrsagerei, theologischer Allegorie und häuslicher Unzufriedenheit.
Wie jeder Malick-Film verliert sich auch Knight of Cups in persönlicher Introspektion und Spekulationen über den Platz des Menschen in der gewaltigen Natur und in unserer eigenen künstlichen Umgebung. Christian Bales wandernder Hollywood-Drehbuchautor schärft seine Einsamkeit durch sechs selbstzerstörerische, sinnliche Umstände – Imogen Poots, Cate Blanchett, Freida Pinto, Teresa Palmer, Natalie Portman und Isabel Lucas verdeutlichen die himmlischen Andeutungen und emotionalen Ängste des Films.
Selbst Enthusiasten müssen zugeben, dass Knight of Cups nach Selbstherrlichkeit und – wagen wir das Wort – Überheblichkeit riecht. Das Requisit der reichen, weißen, männlichen Melancholie existiert auf einer Ebene des Nimm es oder lass es, wie die meisten von Malicks undurchschaubaren Kreationen – entweder man lehnt den Film ganz ab oder gibt sich der Universalität der unstillbaren Sehnsucht hin. Nichtsdestotrotz müssen Neinsager zugeben, dass die eindringliche, vollendete Ausdrucksweise von Emmanuel Lubezkis Slipstream-Kinematografie und der gezackte, räumlich ungebundene Schnitt ein jenseitiges Gefühl vermitteln, das die meisten konventionellen narrativen Filme nicht einmal im Entferntesten vermitteln oder nachahmen können.
4. Under the Silver Lake (2019)
Nachdem It Follows zu einem der wichtigsten Horrorfilme unserer Zeit wurde, hat A24s mangelndes Vertrauen in David Robert Mitchells surrealistischen Neo-Noir, in die Öffentlichkeit oder in beides dazu geführt, dass Under the Silver Lake kein wirkliches Kinopublikum fand. Wenn man bedenkt, wie oft der unabhängige Verleih im Interesse seiner Arthouse-Interessen etwas absichtlich falsch vermarktet hat, war dies ein scheinheiliger Fauxpas.
Der fragliche Film, der über Amazon Prime im falschen Seitenverhältnis für die Massen veröffentlicht wurde, ist ein durch und durch bezaubernder Text über Voyeurismus, die Inselkultur von LA und das Fehlen von Geheimnissen in der postmodernen Welt. Er ist auch ein unwiderlegbarer Beweis für all die schattigen, gewundenen Winkel, die in der noblen Dringlichkeit des Noir übrig geblieben sind. Under the Silver Lake ist so fesselnd, dass es ausreicht, um das Vertrauen in Studiobosse und anerkannte Kritiker schrumpfen zu lassen, das man vielleicht noch hat.
Andrew Garfields lasziver, heruntergekommener Drifter ist ein Slacker-Protagonist in entsprechend großer Gesellschaft – The Dude aus ‚The Big Lebowski‘, Doc Sportello in ‚Inherent Vice‘ – und der Film trägt diese und seine weiteren unzähligen Einflüsse (David Lynch, Alfred Hitchcock, zahllose andere zitierte kulturelle Anregungen) mit Stolz, während Mitchell die Traditionen seines Genres genießt und poliert.
Unter dem Silbersee behält seine skeptische, antikonformistische Ideologie im Herzen, auch wenn die unterschwelligen Bedeutungen nicht ganz so getarnt sind wie beabsichtigt. Der Film ist immer noch wahnsinnig visionär und immer wieder betörend – Mitchells ehrgeiziges Fundament ist auf Ablenkungsmanövern, sexueller Spontaneität, technologischem Misstrauen, methodischer Obskurität und rätselhaften Verschwörungen aufgebaut. Geboren aus der Vergangenheit – mit besonderem Dank an die antiquierte Filmmusik von Disasterpeace – und stimuliert durch neue, ungetrübte Kreativität, geht die skopophile Bedeutung von Under the Silver Lake ziemlich tief.
3. Mistress America (2015)
Nicht anders als andere zentrale Höhepunkte von Noah Baumbachs pointiertem Vermächtnis – The Squid and the Whale, Frances Ha – ist Mistress America pikant, tiefgründig und reich an Ideen, die es wert sind, in kaum mehr als 80 Minuten durchdacht zu werden. Diese stachelige Screwball-Komödie könnte die dichteste, erschöpfendste und schändlichst unbeachtete Komödie ihrer Zeit sein. Als unmittelbarer Nachfolger von While We’re Young aus dem Jahr 2015 wirkte Mistress America durch seine ruhige Veröffentlichung wie ein unbedeutender Nachsatz.
Doch mit der unschätzbaren Hilfe seiner romantischen und schriftstellerischen Partnerin Greta Gerwig floss die Magie – die wortgewandten, aufschlussreichen Dialoge, die sich instinktiv verändernde Charakterdynamik, die heiteren Schnitte – genauso mühelos wie in Frances Ha, ihrer ersten schriftlichen Zusammenarbeit und dem Höhepunkt von Baumbachs Filmografie vor Marriage Story. Dramatische Ironie und echte Weisheit harmonieren selten in denselben Dialogzeilen, geschweige denn in Ausschnitten, die ihre Klugheit auch völlig aus dem Zusammenhang gerissen zeigen.
‚Mistress America‘ mag äußerlich unbedeutend erscheinen, aber der Inhalt seines tadellos bissigen Drehbuchs blüht mit der Intimität großen Theaters auf. Das alles ist Teil von Baumbachs beispielloser Hingabe an die Betonung üblicher sozialer Defekte, indem er den menschlichen Kleinlichkeiten einen Spiegel vorhält, damit auch wir uns mit unseren eigenen trivialen, fast unmerklichen Verstellungen und Solipsismen auseinandersetzen können.
Gerwig und Lola Kirke spielen das spirituelle Schwesternpaar wunderbar, das violett schillernde Spektrum ergänzt die üppigen Synthesizer-Wellen des Soundtracks und Baumbachs Themen, Charaktere und treibende Satire waren noch nie so lebendig. Scharfsinnig, schaumig und schmerzhaft komisch ist ‚Mistress America‘ ein tadelloser Film und auch ein hervorragender feministischer Text, was Gerwigs partielle Federführung betrifft.
2. The Ghost Writer (2010)
Wenn man die Kunst vom Künstler trennen kann – und das sollte man wirklich, so wie man ‚Triumph des Willens‘ als zwingende dokumentarische Geschichte erkennen kann, ohne selbst Hitler zu huldigen – ist Roman Polanski ein maßgeblicher, umfassend versierter Autor. Und seine Begabungen sind nicht eklatant oder imposant, was genau der Grund dafür ist, dass die weniger bekannten Geniestreiche des Regisseurs – ‚Knife in the Water‘, ‚The Tenant‘, ‚Frantic‘ – so achtlos unbeachtet bleiben können.
‚The Ghost Writer‘ ist ein Film, den man sich nebenbei im Kabelfernsehen ansehen könnte. Er fühlt sich an wie der Taschenbuchroman, den man schon lange in die Hand nehmen wollte, um sich an einem gemütlichen Regentag unerwartet in ihn zu vertiefen. Das spürbare Können des Films als kluger Politthriller ist seit seinem Debüt Anfang 2010 in seiner Klasse noch nicht übertroffen worden und wurde für seine zurückhaltende Überlegenheit kaum gewürdigt.
Analog zu den unterschätzten Vorzügen von Das neunte Tor aus dem Jahr 1999 handelt es sich hier um ein ahnungsvolles, literarisch angehauchtes Noir-Mysterium, das auch und gerade in seinen profansten Momenten mit akademischem Formalismus und frecher Strenge ausgestattet ist – wobei Apathie unentschuldbar ist, wenn Alexandre Desplats wirbelnder, symphonischer Score so exquisit unheimlich ist.
Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Tom Wilkinson, Olivia Cooke und Jon Bernthal bevölkern den reichhaltigsten Nachmittags-Killer, den man sich wünschen kann – stellen Sie nur sicher, dass Sie die britische Version mit dem schlichten Titel The Ghost finden, damit die gedämpften Schimpfwörter der PG-13-Neufassung Ihren vollen Genuss nicht beeinträchtigen. Polanskis spätes Meisterwerk ist eine Anleitung zu den elementarsten, einhüllendsten Aspekten der Regieleistung – seine ätherische Kraft steht auf einer Stufe mit Repulsion, Rosemary’s Baby und Chinatown.
1. Inherent Vice (2014)
Indem er die entscheidenden Merkmale von Thomas Pynchons jahrzehntealtem, hyperbolischem 60er-Jahre-Kriminalroman umwandelt, kürzt Paul Thomas Anderson Inherent Vice mit Bedacht auf den groovigen Gusto seines euphorischsten, lustlosesten und serpentinenreichsten Films. Ironischerweise ist Andersons siebter Film auch einer von geübter Klarheit, angetrieben von erzählerischer Zielstrebigkeit, ganz gleich, wie viele durchschnittliche, leicht verwirrte Kinobesucher den Film als sinnlos oder verworren abtun.
Wenn sich das verwickelte Kompendium aus Doper-Diskursen, bürokratischen Geheimnissen und ständigen Charaktereinlagen in Inherent Vice für Sie umständlich, umständlich oder selbstzerstörerisch anfühlt, dann ist das vielleicht, nur vielleicht, der Kern von Pynchons vergrößertem, betont unterhaltsamen, in Säure getauchten Neo-Noir. Anderson hat den unangepassten literarischen Giganten des 20. Jahrhunderts liebevoll auf die Schippe genommen (Inherent Vice bleibt Pynchons bisher einzige Verfilmung), während er gleichzeitig die entspannteste Etappe seiner unberechenbaren Karriere befriedigt.
Nach der ästhetischen und dramaturgischen Ermüdung, die der mühsamen Konzeption von The Master aus dem Jahr 2012 folgte – Andersons stolzes Opus und zweifellos eines der unvergleichlichsten Bilder des Jahrzehnts – war die Arbeit an einer überragend lässigen Ablenkung wahrscheinlich ein künstlerischer Seufzer der Erleichterung und ein befreiender Sturzflug in die auteuristische Freiheit.
Mit genügend Vertrautheit und Verständnis für den ausschweifenden, kaskadenartigen, investigativen Hangout-Film, die hypnotisierende Amalgamierung von Pynchons sprachlichen Nonparellen, Jonny Greenwoods originellen und ausgewählten Schwingungen, Robert Elswits praktischer, flirrender Kinematographie und den makellos besetzten, leidenschaftlich geschickten Darbietungen eines immens talentierten Ensembles (angeführt von Joaquin Phoenix als dem verwirrten Detektiv, der sie alle umbringt, ohne Josh Brolin, Benicio del Toro, Joanna Newson, Katherine Waterston, Owen Wilson, Reese Witherspoon, Eric Roberts, Martin Short, Jena Malone und Maya Rudolph zu erwähnen), versetzen einen in einen Strudel hypnogogischen Deliriums, zumindest wenn man endlich den Pleb-Filter überwunden hat.
‚Inherent Vice‘ ist einer der unmissverständlichsten Beweise dafür, dass Filme – zumindest großartige – zu unendlich vielen Wiederholungen einladen, vor allem dann, wenn Andersons Grad an dichtem, göttlichem Detail geschmackvoll Pynchons zeitlos selbstverständliche, epochenübergreifende Themen aufgreift. Inherent Vice ist ein psychedelischer Wendepunkt, der den Film Noir in einem unvorhersehbaren und exakten Bewusstseinsstrom schwärmerisch lebendig hält. ‚The Long Goodbye‘ der Neuzeit hat seit Ende 2014 noch nicht den vollen Beifall seiner verdienten Neubewertung erhalten, obwohl er transzendente Hellsichtigkeit ebenso eifrig vermittelt wie krawalligen Eskapismus.